JAPON, LE MUSÈE DE SCULPTURE EN PLEIN AIR DE HAKONE, DEUXIÈME PARTIE

 Nous sommes descendus vers une immense structure en bois qui est en fait un aire de jeu géante pour les enfants. C'est le Woods of Net de Toshiko Horiuchi Mac Adam. Cette structure complexe en filet, composée de cordes colorées entrelacées à la main, suspendue à une charpente en bois, est une véritable aire de jeux pour enfants.Rappel de la première partie : https://www.lemounard.com/2024/08/japon-le-musee-de-sculpture-en-plein.html

En se rapprochant du musée Picasso, on croise quelques statues intéressantes.  

Le « Garden of Stars » , des jardins en forme d'étoiles où vous pourrez déambuler comme dans un labyrinthe. Juste en face de ce jardin, se trouve « Hey », une sculpture de Shin Yamamoto (1992).  Autour du labyrinthe se trouve un groupe de statuts de  Yoshitatsu Yanagihara . Yoshitatsu Yanagihara était une sculptrice japonaise née en 1910. Son travail est centré sur « l'esprit d'enquête humaniste sur l'essence de la nature et de la vie », un autre bon accord avec le thème du musée.

 "Personnage" de Joan Miro

Cette belle sculpture est audacieusement colorée et très expressive.

Miro était un artiste espagnol et l'un des sculpteurs surréalistes les plus connus.

 Personnage explore l'idée d'un art créé à partir de la poésie et que différentes formes et couleurs collées sur la forme sont pour Miro comme des mots qui, ensemble, créent un poème. 

 

Puis c'est l'extraordinaire "Vincent Van Gogh par Zadkine. Van Gogh à travers champs Oeuvre d'Ossip Zadkine (1890-1967).  En 1956, une association d’Auvers-sur-Oise commande à Zadkine un monument en hommage à Vincent Van Gogh, qui passa dans cette petite ville les derniers mois de sa vie. Pris par ce qu’il nomme « la fièvre van goghienne », le sculpteur est enthousiaste, mais connaît des hésitations : « Comment envisager le personnage de Van Gogh pour le statufier ? […] Comment ériger un objet qui, en plein air, suggère à la fois l’être rare et nouveau que fut Van Gogh et la grandeur de l’aspect nouveau de sa peinture […] ? » Témoignages des doutes et des réflexions du sculpteur, les nombreux projets préparatoires conservés  retracent les différentes étapes de la création, du premier buste à la version définitive, en passant par des esquisses figurant Van Gogh en marche, Van Gogh prédicateur, dessinant, ou étreignant son frère Théo.

Emilio Greco - "Grande Figura Seduta 2" ((1969). Emilio Greco ( 1913 - 1995) est un sculpteur  contemporain. Un musée lui est consacré à Orvieto, en Italie. Toujours d'Emilio Greco, la Grande Baigneuse.

 Femme accroupie No. 4 de Emilio Greco. Nous arrivons au musée Picasso avec une sculpture de Fernand Léger.

Il visite la ville de Biot, près de Nice, où un ancien élève était chargé des travaux de céramique. Léger a commencé à travailler dans la sculpture en céramique, créant d'abord des peintures murales en bas-relief, mais adoptant bientôt l'idée d'une forme sculpturale entièrement ronde. Walking Flower est l'un des produits de cet élan de créativité, audacieusement coloré sur une face, noir et blanc sur l'autre, une forme issue de la nature imprégnée d'un esprit humain, d'un esprit d'humour, de jeu et de joie.

Je n'ai pas vu que les photos sont interdites dans le musée Picasso et j'en prend 2 avant qu'on me le fasse très courtoisement remarquer.

Pablo Gargallo (1881-1934). Tête de Picasso - 1913. Epreuve en bronze à patine brune mordorée.  Exposition : La sculpture en pierre est conservée au Musée d’Art Moderne de Barcelone.  Le sculpteur espagnol Pablo Gargallo est considéré comme l’une des principales figures de la sculpture moderne dans la première moitié du XXe siècle. Il s’est formé à Barcelone où il fréquente Pablo Picasso et les jeunes artistes du café Els Quatre Gats. Pablo Gargallo fréquente le mouvement cubiste. “Le cubisme, ses exigences de solidité et de densité, le conforte dans ses recherches, il n’adhère pas à la théorie mais à l’esprit”. Ses recherches sur le travail du métal, fer et cuivre, apportent une véritable évolution technique et marquent de son empreinte sur la sculpture moderne. Ce qui en fait “le père de la sculpture découpée, celui qui, le premier, a compris comment convertir dans le fer et le cuivre le cubisme des papiers collés et des guitares de carton de Picasso”

Pablo Picasso - Les Trois Grâces (1962). La salle d'exposition Picasso  présente des peintures, sculptures et céramiques de l'artiste en plus de photos de lui à différents moments de sa vie. Les céramiques ont été acquises auprès de sa fille Maya. C'est une belle exposition mais nous avons beaucoup vu de musées et d'expositions. Nous descendons vers la végétation, il y a des bassins, de petites cascades, l'eau sourd de toutes parts.

Marta Pan Sculpture flottante 3 1969 

Situées sur un étang encadré par un bosquet d'arbres, de grandes et petites formes vermillon se répercutent sur le paysage qui les entoure. Il y a un trou au centre de la grande forme courbe douce. La petite forme a été creusée dans ce trou et est née de la plus grande forme maternelle, tout comme un bébé. Le plus petit se déplace comme s’il glissait sur l’eau lorsque le vent souffle. Il s'éloigne et se rapproche du plus grand, semblant presque dialoguer avec la carpe de l'étang et la nature qui l'entoure. Le plus grand change également de position sur place, montrant diverses expressions. Marta Pan est née en Hongrie et a ensuite travaillé activement à Paris. C'était une femme sculpteur bien connue comme une pionnière de l'art environnemental. Ses œuvres utilisent des matériaux contemporains tels que la résine polyester et l'acier inoxydable pour créer des espaces libres, spontanés et agréables en incorporant des éléments de l'environnement dans lequel ils se situent. A coté, une statue de Kannon ?

Le Mendiant Religieux Tarao Yasaki 1971.

 

Rainer Kriester a étudié la médecine dans ce qui était alors l'Allemagne de l'Est, mais a été emprisonné pour diffamation envers l'État, puis a fait défection en 1958 pour Berlin-Ouest, où il entre deux ans plus tard à l'École d'art de Berlin. Pour cette série Heads , il s'est inspiré des masques utilisés dans le culte amérindien, des têtes colossales en pierre produites par la civilisation olmèque, des guerriers en pierre sculptée de la civilisation toltèque, des Moai de l'île de Pâques, etc. Cependant, les têtes de Kriester sont couvertes par des masques, certains ont des clous enfoncés, et d'autres encore ont les mains sur les oreilles ou les yeux, comme s'ils enduraient le malaise et la peur du monde moderne. On dit que la bouche ouverte a été inspirée par l'un des croquis de Michel-Ange, mais qu'est-ce qu'elle crie ?

Mine Takashi - "Primavera" (1972) Cette œuvre émeut Catherine aux larmes qui supporte mal de ne pas voir un visage.

 

Deux lièvres boxant. Oeuvre de Barry Flanagan (1941-2009)  1985. Barry Flanagan est né en 1941 à Prestatyn, au Pays de Galles, et est décédé en 2009 à Ibiza. En 1966 il sort diplômé de la St Martin’s School of Arts de Londres, où il a été, entre autres, l’élève de Anthony Caro. Artiste pluridisciplinaire, Barry Flanagan dessine, grave, sculpte, écrit. Il aime la danse et pratique le violoncelle. Très tôt il s’intéresse à la ‘Pataphysique, « science des solutions imaginaires » d’Alfred Jarry, et a recours à l’absurde. Dans ses sculptures il fusionne le quotidien, l’imaginaire et le fantastique. Rendu célèbre par ses représentations de lièvres qui deviennent sa "signature" et incarnent une figure universelle, tantôt burlesque, tantôt mélancolique, il ne se limite pas à cet animal. Je ne peut m’empêcher de penser au lièvre d'Alice à Central Park.

La Main de dieu de Carl Milles.

Un homme dans un équilibre précaire dans la main d'un être infiniment plus grand.

Cette œuvre, réalisée entre 1949 et 1953, rend hommage à l'innovateur suédois C. E. Johansson, célèbre pour avoir révolutionné la mesure de précision dans les pièces industrielles. L'idée de la statue, selon ce que Milles raconte, lui est venue en rêve, inspiré également par la fascination d'Auguste Renoir pour les mains. La sculpture originale se trouve dans la ville d'Eskilstuna, en Suède, mais il existe plusieurs reproductions à travers le monde. Une de ces reproductions a été offerte à la ville de Détroit, dans le Michigan, se dressant majestueusement à l'extérieur du Frank Murphy Hall of Justice. Une autre copie de ce chef-d'œuvre a été offerte par le gouvernement suédois à la famille royale d'Indonésie, trouvant sa place dans les jardins du Palais de Bogor. Pékin et le Hakone Open-Air Museum au Japon possèdent également leurs propres versions, témoignant de l'universalité du message de Milles. La statue représente un homme nu, debout sur un gigantesque index et pouce, dans une position évoquant la réflexion et l'élévation.

César est représenté ici par la Victoire de Villetanneuse.
 Pendant l’été 1965, César expose au Musée des Arts Décoratifs de Paris de nombreuses sculptures en fer dont la célèbre "Victoire de Villetaneuse" qu'on peut admirer au centre Georges Pompidou.

 Après César, Nikki.

 Miss Black Power, Nikki de Saint Phalle,

Une femme noire vêtue d’une robe colorée et tenant un sac à pois bleus se tient majestueusement les pieds plantés au sol. Son corps corpulent semble déborder de la confiance et de la joie d’une femme qui nourrit la vie.  Nikki de Saint Phalle, a souffert de dépression après s'être mariée et avoir eu un enfant. Elle a commencé à créer des œuvres d'art afin de surmonter sa dépression et a également réexaminé sa propre vie et le rôle des femmes à travers la création de ses œuvres. Cette pièce fait partie de sa série « Nanas », de gigantesques statues de femmes, qu'elle  aurait conçu en voyant la silhouette d'une amie enceinte. Les femmes et les Noirs, qui ont été opprimés et victimes de discrimination en raison de valeurs dépassées, renaissent ici comme une déesse pleine de liberté et de joie, et louant la féminité. Voir le musée du Jardins des Tarots à Capalbio, un autre fabuleux musée en plein air.

 https://www.lemounard.com/2019/10/toscane-capalbioniki-de-saint-phalle-le.html

La collection Henry Moore comporte 36 œuvres, et constitue l'une des plus importantes au monde;

Mère et enfant :  Henry Moore (1898-1986). Bronze avec patine brune. Conçu en 1983-1984, coulé en 1986. 

"Très tôt, j'ai été obsédé par le thème de la mère et de l'enfant. C'est un thème universel depuis la nuit des temps, et certaines des plus anciennes sculptures du néolithique que nous ayons trouvées représentent une mère et son enfant. J'ai découvert en dessinant que je pouvais transformer n'importe quel gribouillage, n'importe quel pâté ou tache en mère et enfant. J'étais conditionné à le voir dans tout. Je suppose que cela peut s'interpréter comme un complexe maternel."

Barbara Hepworth, Deux figures, 1968 à gauche

Sculpture en bronze de 1959, Figure inclinable en deux parties n° 1 par  Henry Moore (1898~1986). Les mots  d'Henry Moore ressemblent en quelque sorte au principe directeur du musée en plein air de Hakone :

" Lorsque vous êtes en plein air, sous le soleil, la pluie et les nuages, cela aide les gens à comprendre que la sculpture fait partie de la vie. "

Henry Moore est né dans le Yorkshire au Royaume-Uni. Il a eu une grande influence sur le développement des arts modernes et de la sculpture au Royaume-Uni. Les figures allongées constituent la plupart des thèmes de Moore.  Ces sculptures représentent des figures humaines censées faire partie du paysage. Ses œuvres ne sont pas faciles à comprendre, ouvertes aux interprétations.

Au total, onze sculptures d'Henry Moore sont exposées sur le terrain du musée en plein air de Hakone. Moore aurait déclaré :" Je suis heureux de savoir que mes sculptures sont si joliment placées".

Sculpture en bronze de 1948 ~ 49, groupe familial  Henry Moore (1898 ~ 1986).
Two Piece Reclining Figure: Points.

Le travail de Moore peut être globalement classé en trois thèmes : la mère et l'enfant, les figures allongées et la forme interne/externe.
« Mes sculptures sont toutes basées sur le corps humain. Dans le cas de mon travail, trois sujets sont répétés. Ce sont « la mère et l'enfant », les « figures allongées » et la « forme interne/externe ».
Dans certains cas, deux de ces sujets se chevauchent, et parfois les trois peuvent même être combinés.
 
"L'idée 'mère et enfant' est l'une de mes deux ou trois obsessions, un de mes sujets inépuisables.
Cela a peut-être quelque chose à voir avec le fait que la 'Vierge à l'Enfant' était si importante dans l'art. du passé et que l'on aime les maîtres anciens et qu'on a tant appris d'eux...
Mais le sujet lui-même est éternel et sans fin, avec tant de possibilités sculpturales en lui - une petite forme en relation avec une grande forme protégeant la petite. , etc. C'est un sujet tellement riche, tant humainement que compositionnellement, que je continuerai toujours à l'utiliser. « Il existe trois poses fondamentales de la figure humaine. L'un est debout, l'autre est assis et le troisième est allongé.
Mais des trois poses, la figure allongée donne le plus de liberté, tant sur le plan de la composition que de l'espace.
Le personnage assis doit avoir quelque chose sur lequel s'asseoir. Vous ne pouvez pas le libérer de son socle.
Une silhouette allongée peut s'allonger sur n'importe quelle surface. Il est à la fois libre et stable. » 

« Désormais, l'armure est une coque extérieure comme la coquille d'un escargot qui est là pour protéger les formes les plus vulnérables à l'intérieur, comme c'est le cas dans l'armure humaine qui est dure et mise pour protéger le corps mou. Cela a parfois conduit à l’idée de la Mère et de l’Enfant, où la forme extérieure, la mère, protège la forme intérieure, l’enfant, comme une mère protège son enfant."

Nous n'aurons pas le temps de visiter la Sculpture Symphonique de Gabriel Loire dont l'atelier se trouve à Chartres. La Tour de la symphonie est une tour d'observation entièrement composée de vitraux. Les visiteurs peuvent monter sur la plateforme supérieure par un escalier. "Un monde de rêve brillant qu’on ne peut imaginer de par son apparence se déroule à l’intérieur de la tour. Veuillez monter les escaliers et entrer dans la tour. Les hiboux, les oiseaux et les magiciens sont là. Danser, jouer de la musique et mimer… Les 700 couleurs des éclats de verre captent la lumière de l'extérieur et reflètent le monde onirique d'un enfant comme un kaléidoscope. Si vous montez l'escalier en colimaçon, depuis le toit, vous pourrez admirer de nombreuses œuvres d'art ci-dessous. Son créateur, Gabriel Loire, est un artiste vitrail représentant de la France. Le verre, produit en frappant avec un marteau, a cinq fois l'épaisseur d'un vitrail ordinaire, et en réfractant la lumière de l'extérieur de manière complexe, le verre lui permet de pénétrer à l'intérieur et de dégager un éclat fantastique."

Un gigantesque œuf frit sculpture en plastique.

Kenneth Armitage, deux bras, 1969-70 un des sculpteurs britanniques modernes les plus intéressants.

"La grande histoire"
de Giuliano Vangi. C'est - pas seulement par sa taille - une pièce très impressionnante qui représente le voyage d'un homme dans le futur.

 

La Grande Histoire, de Giuliano Vangi, né en 1931 à Toscana. En marbre de Carrare marbre, c'est l'une des nombreuses œuvres massives pour lesquelles il est célèbre. Ses sculptures sont présentes au musée du Vatican. Il a reçu le Praemium Imperiale en 2002,  de sculpture qui est considérée comme le prix Nobel des arts.
Il possède même un musée au Japon, dans la préfecture de Shizuoka, le musée des jardins de sculptures de Vangi, inclus dans le Clematis no Oka, une installation multiculturelle avec des fleurs, des musées d'art et de la slow food. Autre sculpture de Vangi  qui m'évoque un monument funéraire comme on en voit au cimetière de Gênes. Retour vers la sortie avec une vision différente de la Sphère dans la Sphère de Pomodoro.

L'œuvre  d'art « la structure spatiale croisée » 

(1978) de Ryosaku Goto, 144 corps étirés, les

 femmes en rouge, les hommes en noir.
 

 

je crois que la sculpture ci-dessous est de Zadkine, la demeure humaine.

"Le Dialogue qui n'en fini pas" de Susumu Shingu

C'est une sculpture cinétique qui évoque depuis l'endroit où on l'observe une libellule, une graine de sycomore ou un aéroplane. Ensuite Aborescence de Jean Dubuffet.

 

Quelques belles images des plus belles œuvres du début. 

Nous sortons au moment de la fermeture, le train à crémaillère puis une marche de 10 minutes au bord de la rivière avant de partager un repas kaiseki comme la veille.