SIMONE LEIGH, BIENNALE VENISE 2022, UN AN Après ZURICH

 Nous avions découvert Simone Leigh, une artiste afro-américaine, née à Chicago en 1968 de parents jamaïcains lors d'une exposition à la galerie Hauser and Wirth à Zurich. C'est Dorcas Erskine, notre belle fille, qui nous avait accompagnés à cette exposition.  Leigh décrit son travail comme étant « auto-ethnographique » et ses intérêts incluent l'art africain, les objets vernaculaires, la performance et le féminisme. Son travail s'intéresse à la marginalisation des femmes de couleur et considère leur expérience comme un élément central de la société américaine. , Leigh présentera toutes les nouvelles Cette exposition coïncidait avec le Zurich Art Week-End. Simone Leigh y présentait des sculptures,  des bustes en céramique, des personnages à jupe en raphia et de nouvelles œuvres en bronze.

 

AZurich, un premier sphinx ci dessus qui préfigure celui de Venise, é manières très différentes de représenter le Sphinx.

Simone Leigh travaille selon un mode qu'elle décrit comme auto-ethnographique, employant des matériaux, des formes et des traditions sculpturales d'origine ouest et sud-africaine. On reconnaît également dans le langage sculptural de Leigh les références aux premières formes afro-américaines, telles que les cruches faciales du sud des États-Unis, ainsi que l'Americana utilisée pour essentialiser le corps noir, dont la production a augmenté aux États-Unis dans les années 1890. Ces objets, tels que le `` placard de Mammy '', ont ensuite été popularisés à l'époque de Jim Crow, car la créolisation exagérée des traits du visage dans les urnes, les bocaux et les bols en est venue à signifier la représentation de la noirceur en Amérique.

Pour cette exposition, la première grande exposition de l'artiste en Suisse, Leigh présentera la sculpture monumentale en bronze 'Sentinel (Gold)' (2021), un matériau que l'artiste a commencé à utiliser en 2018. Debout à 10 pieds (3 mètres) de haut et enfermé dans feuille d'or, cette sculpture à grande échelle poursuit l'exploration continue de l'artiste de la réalité sociale qui découle de l'utilisation, de la consommation et de la création d'objets, et des communautés qu'ils servent. Au sommet d'un corps féminin abstrait mais reconnaissable se trouve le visage d'une cuillère à la place de la tête du personnage. L'œuvre s'inspire d'un objet utilisé dans les rituels de fertilité et d'une catégorie décrite dans l'art ouest-africain comme un objet de pouvoir, quelque chose qui agit soit par une signification formelle, soit par un usage rituel. La forme allongée inverse l'idée que les femmes noires sont naturellement fortes et invulnérables et, en rendant le travail à une échelle architecturale, Leigh élève la fonctionnalité traditionnelle de l'objet. De plus, en enfermant l'objet dans de la feuille d'or, Leigh évoque l'histoire et la politique de l'extraction de l'or sur le continent africain. Elle commente : « En tant qu'artiste, l'art africain et les objets vernaculaires sont un moyen d'explorer une multitude de thèmes, en particulier la notion de travail des femmes, la paternité, l'anonymat et d'autres façons dont nous percevons la culture et la valeur.

Un élément clé de l'exposition sera plusieurs nouvelles figures à jupe de raphia avec des torses en céramique. Faisant référence aux habitations et aux cultures à travers les continents, ces nouvelles œuvres évoquent les idées d'habitat, d'architecture et de culture matérielle. Leigh déclare : « Depuis le début de mes 20 ans, je m'intéresse à l'architecture en tant que culture matérielle ultime. S'adressant à la forme, à l'histoire, à l'usage et au travail – transmettant l'information d'une génération à l'autre.' L'utilisation par l'artiste de structures architecturales et de matériaux trouvés dans les cultures africaines, notamment le raphia et la céramique, un matériau naturel mais difficile à travailler, poursuit son exploration de la production et en particulier de la dichotomie du travail des femmes. En se tournant vers des artistes tels que Beverly Buchanan et Noah Purifoy qui font référence aux habitations des pays du Sud dans leur pratique, Leigh développe actuellement son utilisation du raphia comme exploration du marronnage, un terme qui fait référence à une stratégie de résistance de ceux qui se sont retirés des plantations et ont créé des colonies et des communautés cachées et indépendantes dans les marais des États du Sud. Pour Leigh, le concept de se cacher à la vue pourrait être considéré comme un état d'être qui a ensuite informé les artistes afro-américains et la diaspora. Ces robes de raphia très amples m'évoque les femmes Konsos en Ethiopie qui portent des robes à double étage.

L'enquête de Leigh sur les habitations de fortune se poursuit dans une nouvelle œuvre Sphinx, en bronze et platine. La forme imite la structure d'un quonset, une masse de construction ondulée de base produite pendant la Seconde Guerre mondiale pour l'effort de guerre en Europe et dans le Pacifique Sud. Comme pour ses personnages en jupe de raphia, l'artiste combine cette structure architecturale avec la forme féminine abstraite, explorant la relation entre le corps féminin noir et les contextes historiques et sociaux dans lesquels il apparaît. Cependant, l'œuvre ne donne pas la priorité à la forme physique comme son sujet - les traits du visage sont simplifiés et rendus anonymes. Plutôt que de chercher à représenter une personne ou une figure singulière, Leigh dépeint plusieurs choses simultanément : un état d'esprit, une expérience intérieure ou extérieure, une histoire invisible.

 "La petite colonie de femmes en bronze et en céramique que l’artiste invite ce printemps à la Sérénissime incarne justement, dans sa pluralité, une grande force collective : celle des travailleuses noires qui, dans le monde, peinent encore souvent à être respectées à leur juste valeur, auxquelles la quinquagénaire entend bien, au pavillon américain, redonner leurs lettres de noblesse. Car au-delà du corps, que ses sculptures aident à considérer dans sa singularité, le travail de Leigh parle avant tout de communauté."

"La grande sculpture de bronze « Satellite » nous accueille à l'entrée du pavillon des États-Unis, imposante avec ses sept mètres de haut, une sculpture si haute que l'on peut même passer entre les jambes de la sculpture. « Satellite » fait penser à la fois aux sculptures traditionnelles et primitives africaines tout en offrant des lignes et courbes totalement contemporaines.

Ces sculptures religieuses africaines avaient pour fonction de communiquer avec les Dieux et Simone Leigh respecte cette mission en modernisant le contact avec l’au-delà en installant une parabole satellite à la place de la tête de sa sculpture."

  « Last Garment » est une sculpture de bronze représentant une femme noire en train de faire sa lessive en frottant son linge sur un rocher. Simone Leigh nous montre cette femme, cassée en deux par son travail, les pieds dans l’eau d’un bassin créé pour l’occasion, ce qui offre une dimension supplémentaire à sa sculpture. Il est curieux de voir l'opposition entre cette afro-américaine qui trime et la Sentinel IV qui évoque la femme afro-américaine qui trime et la Sentinel Gold IV, une femme fine et altière comme celles qui défilent pour les grands couturiers. "C'est une image jouant sur le sentiment de supériorité des Blancs, à l’extrême opposé du thème du pavillon : la souveraineté entendue comme autonomie et indépendance, aussi bien au niveau personnel que collectif. Leigh prend le parti de la blanchisseuse à son insu et crée la figure entièrement à la main, en argile, avant de la mouler en bronze, travaillant à la fois à partir de photos et avec une mannequin en chair et en os portant - grâce aux recherches effectuées par la costumière Niki Hall sur la mode de l’époque - les vêtements de cette période. La volonté de réalisme de Simone Leigh va même plus loin : elle a utilisé le même procédé pour réaliser à la main chacune des 800 rosettes qui composent la chevelure de cette femme lavant son linge."

Je vois souvent la sculpture comme performative.” En 2009, Simone Leigh précisait déjà au magazine Art21 son approche très vivante de la matière, réveillant par ses formes et ses pratiques des traditions ancestrales. Qu’elle fasse émerger d’une tête en céramique émaillée un cylindre vide pour la transformer en vase, ou qu’elle ajoute une anse sur la jupe en bronze d’une femme sculptée à taille humaine, la plasticienne s’inscrit dans une immense histoire des arts décoratifs et de la représentation du corps, traversant les siècles comme les continents. Abattre les frontières entre arts décoratifs et beaux-arts lui permet alors d’interroger simultanément la valeur de l’objet et, dans une perspective résolument féministe, la fétichisation du corps féminin – particulièrement du corps noir. Avec une grande attention, l’artiste traduit dans la matière les éléments qui le caractérisent autant qu’ils le stigmatisent, des cheveux crépus aux lèvres charnues qui deviennent, sous ses mains, des attributs puissants. Lorsqu’elle habille ses femmes en bronze de jupes en raphia, fibre végétale massivement utilisée au Congo et au Gabon, ou lorsque, dans le corps convexe de sa sculpture installée à Manhattan, elle imite les dômes des demeures construites par les populations Batammariba du Togo et Mousgoum du Tchad, Leigh opère ce qu’elle appelle une “créolisation des formes”, tissant des réseaux entre les cultures pour faire surgir une histoire commune au-delà des frontières.

« Anonymous » est une grande sculpture en grès émaillé blanc qui représente une femme qui appuie son visage contre ses mains jointes, comme si elle était en train de prier en même temps.

Il y a une forme de sérénité, de calme qui se dégage de cette sculpture qui fut inspirée à Simone Leigh par une photographie d’une femme assise dans la même attitude, une femme dont on ne connaît pas le nom, d’où le titre « Anonymous » de cette sculpture. 

Voici une autre Sentinelle,pas dorée comme celle de Zurich. « Sentinelle » est une autre très grande sculpture de bronze de Simone Leigh mais cette fois-ci totalement longiligne et élancée par rapport à « Satellite ».

On se rapproche ici des statues primitives utilisées traditionnellement dans les rites de fertilité. L’artiste, avec ce titre « Sentinelle » lui adjoint un rôle d’observateur et de gardien

 . « Sharifa » est une belle statue de bronze imposante avec ses presque trois mètres de haut.

Cette œuvre est un portrait de l’écrivaine Sharifa-Rhodes-Pitts qui a publié un ouvrage sur un Harlem imaginaire, un Harlem dont elle rêve, mais éloigné de la réalité, un livre en honneur aux rêveurs.

Une belle notion très proche des œuvres de Simone Leigh.

On notera le pied qui apparaît sous la robe de Sharifa qui rappelle la tradition de la statuaire égyptienne. 

« Martinique » est une statue en grès émaillé bleu d’où un buste nu de femme émerge d’une robe en forme de haute cloche ou même d’un dôme.

Elle est sans tête et soutient ses deux seins proéminents et dressés vers le haut.

»Sphinx » est une autre référence à l’Égypte. Une statue très gracieuse avec un corps de lion et un beau visage de femme noire. 

Derrière le Spinx, Placard, qui reprend la jupe-maison en raphia surmonté par un gros coquillage.

« Brick House », une statue de bronze de près de 5 mètres de haut, est exposée dans la corderie de l’Arsenal de Venise, dont le corps ressemble à une hutte en terre battue et surmonté d’une tête dont les traits sont ceux du visage du sphinx.

Cette femme est présentée comme une divinité et on s’attend à voir des fidèles l’entourer pour lui demander son aide et sa protection.

La tête de la sculpture est couronnée d'un coiffure afro encadré par deux tresses cornrow asymétriques qui se terminent chacune par un cauri.  Pendant ce temps, le torse de la sculpture, de 9 pieds (2,7 m) de diamètre,  combine la forme d'une jupe avec une maison en argile basée sur des styles architecturaux d' Afrique et du sud des USA . Alors que la sculpture a des traits traditionnellement noirs, il lui manque une paire d'yeux, ce qui permet à l'identité de la sculpture de rester ambiguë  de sorte qu'elle ne peut pas être attachée à un individu ou à un groupe noir spécifique. Une statue semblable, qui pèse 5 900 livres (2 700 kg) a été installée à l'automne 2019 sur le High Line Plinth à New York. À cette époque, il n'y avait qu'une poignée de monuments aux Noirs dans La ville de New York; et un seul d'entre eux représentait une femme (la sculpture Swing Low d'Alison Saar représentant Harriett Tubman à Harlem). Créé dans le cadre de la série Anatomy of Architecture de Leigh (2016-présent), Brick House– mi-femme, mi-maison – fait partie d'un groupe de sculptures qui fusionnent des corps avec des références architecturales, des habitations en terre en forme de dôme du peuple Mousgoum au Tchad et au Cameroun, des bâtiments en argile et en bois des Batammaliba au Togo et des ibeji nigérians. Brick House dépeint puissamment le corps de la femme noire comme un site de multiplicité.

Deux expositions Simone Leigh, deux fois le meme enthousiasme. A Zurich, je m'étais dit que Gold Sentinel IV dans mon salon.;; Il faut oublier, les prix explosent, plus de  2 millions de dollars pour un grand format, on ira admirer Simone Leigh au Gugenheim ou au Moma;